SPAnish

Jugando un poco con la frase original (“El Sol salió anoche y me cantó”) de la película cuya banda sonora nos ocupa hemos confeccionado el título de esta sección dedicada a compartir experiencias al otro lado de los instrumentos musicales. Experiencias,  sensaciones, reflexiones… que nos ha producido la audición y disfrute de determinadas obras siendo por ello que no pretendemos hacer un análisis científico sino más bien abrir una vía, una puerta de comunicación que permita el flujo de esas mismas sensaciones y reflexiones, una ventana al corazón musical de cada uno de nosotros. Esperamos que os guste e invitamos a quienes así lo deseen, a colaborar en esta sección.

     El matrimonio entre la música y el cine es algo que no nos suena extraño. Antes bien, al contrario, sí que nos chocaría una película o serie sin música. Es más, en el cine, primero fue la música; luego la voz. Música interpretada o reproducida mientras una película muda se proyectaba en la pantalla. En la mayoría de los casos, la música acompaña a la película realzando y reforzando el contenido de las escenas, e, incluso, dándole contenido pues no significaría lo mismo la más terrorífica de las escenas con una música cómica que con una música tensa. En el primer caso podría llegar a tratarse de una parodia de las películas de terror… y tan sólo hemos cambiado la música. En algunas ocasiones las películas son musicales con mayor o menor predominio de la música sobre los diálogos (cabe citar de ejemplos, entre tantos y tantos, a un lado Les Misérables o Jesus Christ Superstar y al otro Grease o Singin’ in the Rain), en otras ocasiones tratan explícitamente temas musicales como por ejemplo la dura Whiplash o la más (engañosamente) dulce La La Land, ambas bandas sonoras firmadas por un Justin Hurwitz soberbio y totalmente recomendables por cierto. Algunas recurren a la música para hablar con mayor o menor acierto de otras cosas como así sucede en High Fidelity o Swing Kids… Pero luego están las otras, aquellas que nos rompen los esquemas anteriores, y entre ellas hoy queremos hablar de una película, una banda sonora, en la que la música trasciende a la misma música como expresión artística para metamorfosearse en un puente, en un bello lenguaje para comunicar  dos especies  diferentes.

     Con la película Close Encounters of the Third Kind (1977) Steven Spielberg firma una cinta que nos habla de relaciones, relaciones entre el ser humano que habita en este planeta y el ser humano que viene de las estrellas. De relaciones y de cómo se comunicarían esas dos especies dado que, más que no compartir el mismo lenguaje, es evidente que por su diferencia evolutiva no comparten muchas más cosas y ya sabemos, como seres conceptuales que somos, que podríamos terminar viendo nubes donde en realidad hay velas… Por lo tanto, la especie más evolucionada elige un sistema de comunicación no tecnológico, vamos que nada de enviarnos mensajitos por radio desde el espacio como en tantas y tantas pelis de sobremesa del sábado…, sino que recurren a lo más básico; usarán la atmósfera de nuestro planeta como medio de transmisión de ondas sonoras y nuestras orejitas (que ya nos vienen pegadas de nacimiento y por lo tanto tenemos la costumbre de utilizar) como los receptores… y listo. Bueno, claro, falta el cerebro que se da por sentado y en disposición de uso por no se qué extraña presunción alienígena, que traduzca cinco notitas musicales en coordenadas para un contacto et… voilà!. Ah bueno, sí, se me olvidaba; también aparecen en la peli los raritos, los zumbaos que reciben el mensaje; porque todos lo oyen (son muchos los llamados), pero casi ninguno, por esta o aquella razón, hace caso (pocos son los elegidos)…

     Y hete aquí que va el Spielberg ese y elige como compositor de la banda sonora de esta película al maestro John Williams con el que previamente había trabajado en Jaws y no lo hace por casualidad precisamente. John Williams aparte de un genio capaz de usar las secciones de una orquesta de una forma increíble llevándonos en brazos desde algunos de los momentos más épicos  de la historia del cine (Superman, Star Wars,…), hasta algunos de los momentos más íntimos y emotivos de la historia del cine (For Allways,…) pues que aparte de eso, es capaz el tío, con tan sólo dos notas alternadas, de pasar a la historia; lo que lo convertía en el compositor ideal para condensar un mensaje extraterrestre en tan sólo cinco de ellas.

     Sensaciones, muchas, son las que produce esta música maravillosa y conste que ya desde el comienzo, desde su primer tema Opening: Let There Be Light nos ha advertido en sus escasos 47 segundos de duración, y el que avisa no es traidor, que nos agarremos que vienen curvas. Desde las desasosegantes y opresivas que podemos encontrar en Barry’s Kidnapping con una escena donde la lechosa luz, tan sólida que podría cortarse con un cuchillo, los animados juguetes y los tornillos que se aflojan aparentemente solos, se contraponen a un niño que busca incesantemente,  irrefrenablemente, irracionalmente, ir hacia esa luz. Niño que no se puede detener porque si bien no es el primer llamado, sí que ha sido buscado expresamente. Tema de la infancia, de la inocencia, que en Spielberg se repite una y otra vez; baste recordar ET donde la cámara parecía mirar con buenos ojos casi tan sólo a los niños, baste recordar Inteligencia Artificial donde el robot que quería ser humano era, como no, un niño… y esta es precisamente una de las ideas clave de este gran cineasta: ante los otros humanos, esos que caminan ya por las estrellas… nosotros no somos más que niños. La cinta continúa entre descubrimientos, búsqueda personal, elecciones arriesgadas, rompimientos familiares, huidas, persecuciones y ascensiones por un monte fumigados como insectos…  pero permítaseme dejar esto para que nuestro inteligente lector lo descubra por sí mismo y demos un salto al último tema; ese titulado The Visitors/Bye/End Titles en el cual Williams nos lleva desde la presentación de los visitantes de las estrellas, con esas primeras impresiones llenas de caos, tensión e incertidumbre, pasando por unos momentos de febril delirio de las cuerdas para tras un crescendo seguido de un forte súbito, ir creando un nuevo orden no exento aún de terror ante lo desconocido y es entonces, justo entonces, cuando los trinos de los instrumentos de viento señalan un nuevo amanecer para la humanidad, por el momento debatiéndose entre resistencias y temores pero donde poco a poco podemos percibir el Sol elevándose tras el horizonte, la melodía firme y amorosa tras la inseguridad inicial. Amorosos brazos maternales  extendidos por la especie más evolucionada que  nos rodean con firmes y expansivos movimientos, como si en una imaginaria cuna nos mecieran llevando a los pioneros terrícolas en un viaje más allá del actual conocimiento. Explosión orquestal final que nos une con mágico hilo al tema de la película Pinocchio (Leigh Harline). Pinocchio, el muñeco de madera que soñaba con ser de carne y hueso, el niño que ansiaba crecer, el homo sapiens sapiens que aspiraba a ser universal, a ser humano.